ENTREVISTA VIRTUAL / MAO

 8 de enero del 2024

Entrevista virtual a Miguel Ángel Ortíz Bonilla (MAO) a propósito de su exposición en Menos Plástico (MP) “PAISAJE REIMAGINADO. Interpretaciones de un territorio habitado”

MP Alexis – Podemos notar que en tu trabajo existe una constante, un acercamiento permanente al paisaje. ¿Cuál es el interés de MAO por recurrir a este género de la pintura, haciéndolo (dibujo, gráfica, pintura, etc.) desde su particular perspectiva?

MAO – Desde que era estudiante en La Esmeralda, era un género que me llamaba la atención por 2 cosas. Primero es el entorno, lo que es muy importante, pero por esos años el interés específico surge a través del conocimiento del período romántico de la pintura con autores como Turner, Gainsborough o John Constable (quien mencionaba que las emociones son a partir del paisaje, algo totalmente romántico),… hablando de autores nacionales, el trabajo de José María Velasco. Sin embargo, es a partir de un reconocimiento de todas las aproximaciones culturales, de conocer el desierto, el mar y lo que te involucra como persona, que se toma el tema del paisaje como algo recurrente en mi proceso creativo.

MP Alexis – Me llama la atención lo que mencionas acerca de las aproximaciones. Tu base es Zacatecas, tuviste un paso por Tijuana, tu herencia familiar te liga a Tampico. Teniendo esto en cuenta veo que abordas el desierto y su riqueza (cuando otros podemos imaginarlo vacuo), también tocas el tema marino. ¿Esto tiene que ver con esas vivencias de pasados lejanos y cercanos?

MAO – Es inevitable que el contexto construya una forma de ver. La experiencia con el litoral ha sido austera, pero muy significativa en la parte emocional de donde se nutra la experiencia para construir lo racional que es la obra. “Paisaje primitivo” es una serie de los años 90´s donde investigaba a partir de la geología y la historia natural, la transformación de territorios (en lo que ahora es México) de mares a desiertos. Esto lo menciono porque el trabajo del artista debe construirse a partir de la investigación y de la realidad. De esta manera en lo que mencionas yo contrastaba la calidez del Golfo de México con la frialdad del pacífico en Baja California y la diferenciación de sus entornos ecológicos. En cuanto al desierto lo tomo como una fuente de inspiración no tanto por el entorno natural, sino por el cultural. Los recorridos por lo desértico, son para mí importantes porque suceden en una época de transición de quizá una adultez tardía.

En este momento el paisaje para mí es trascendental porque se edifica a partir de la noción de pérdida, problemas generados por la contaminación, extinción de especies, etcétera. Pese a esto, insisto en que la construcción de mi obra paisajística se realiza con la emoción racionalizada del entorno.

E L  P A I S A J E

MP Alexis – Planteas la cuestión de los contrastes en tu trabajo, desierto – mar, pasado – presente. Nos parece interesante la obra que propones para la expo en MP, por una parte está la serie de gráfica “Crepúsculo”, que involucra una selección de materiales pensados para una durabilidad temporal y por el otro lado están estos grandes dibujos que fueron realizados con la intención de ser efímeros. ¿Por qué tomar estas dos líneas de trabajo y mostrarlas en esta exposición?

MAO – “Crepúsculo” (es una serie 10 piezas que incluye puntas secas y aguafuertes) que como su nombre lo indica representa una hora determinada que tiene que ver con esta ensoñación del punto medio que involucra la realidad y estar fuera de esta. Lo comento en el sentido de cómo podemos pasar de un estado a otro a partir de las imágenes.

Este catálogo lo trabajé con el Mtro. Sergio Ulloa en su taller, generando las piezas de una en una, donde estas funcionan como memoria de una transición, del retorno de volver a trabajar en conjunto con un taller. Como grabados son evocaciones porque no tomo como referencia ninguna especie biológica, sin embargo están presentes. Este trabajo es la construcción que mezcla lo mínimo de arquitectura con la presencia de los seres vegetales, pero no en el sentido específico de biólogo sino como la experiencia de contener características generales de las especies como lo son las puntas, hojas, brotes y ramas que se vuelven un tanto extrañas por no ser la forma común en que son presentados.

L A  O B R A

MP Alonzo – Comentas que para realizar la carpeta “Crepúsculo” con el Mtro. Sergio Ulloa, fueron surgiendo las piezas de una por una. ¿Cómo es el proceso de creación de imágenes tuyo? ¿Cómo decides los formatos, el soporte, si será un dibujo, una pintura, un grabado, si te decantas por una serie o una pieza en solitario? Cuéntanos eso por favor.

MAO – En cuanto a la carpeta, primero llegué a un acuerdo del formato, primero envié una serie de imágenes al Maestro y de ahí él como impresor propone los formatos de placa y los procesos en los que puede ayudar. Al final este acuerdo es importante, porque él se convierte en el medio para que lo que yo quiera decir, salga de la mejor manera. En la primera sesión trabajé una punta seca y a partir de eso se realizan las pruebas con mi propuesta de una serie de colores para que él me de las paletas que pueden ser más adecuadas para el proceso. Con esta experiencia de prueba en blanco y negro, de prueba a color, es que se van construyendo las otras imágenes ya en un material específico. En cuanto a la pintura es algo totalmente distinto, lo que es similar a la estampa es el dibujo. El proceso de trabajo de la carpeta tuvo una duración cercana a los dos meses. Me parece muy bonito este tipo de trabajo porque te saca del confort de las decisiones unidimensionales o sea lo personal, entonces es cuando uno puede crear un diálogo, lo cual me parece muy sano eso de recibir opiniones y propuestas. En el taller uno está decidiendo continuamente a partir de nuestras necesidades, que también está bien pero son procesos diferentes que creo hay que saber manejar para lograr cosas interesantes.

El trabajo del Mtro. Ulloa fue estupendo y quedamos muy contentos con la carpeta y creo que ha funcionado. Eso por un lado en un taller de estampa, por otro lado los dibujos que se van a mostrar son piezas que ya tienen sus años, tal vez más de 20 y lo que se busca es hacer una contraposición de una reconstrucción continua de las mismas, ya que se pensaron como dibujos efímeros pero no terminan por concluirse, es decir se busca tocar el tema de la permanencia material. Las piezas incluyen impresiones digitales sobre un papel de uso común del que se consigue en un mercado, un papel muy austero, también se incluye tela. Se decide mostrar como contraposición a lo nuevo, que busca tener permanencia y durabilidad. Lo efímero se plantea desde lo crepuscular que es el cambio entre luz a oscuridad y viceversa, también lo referente al cuerpo que se degrada y tiende a desaparecer. La luz es permanente, el cuerpo es frágil. Lo cósmico es permanente y el humano efímero. Por ahí es el trabajo que de una manera entre intuitiva y queriendo buscarlo, construyó esta selección de obra.

En cuanto a la decisión de trabajar por series, remito a mis primeras exposiciones en los 80´s donde buscaba capitular, hacer bloques temáticos para construir un discurso más o menos lógico de ese momento. Me gusta partir de un tema general amplio, para de ahí dilucidar materiales y formatos específicos ya que es muy práctico para exposiciones y catálogos. Menciono lo práctico en dos sentidos, para hacer y para poder compartir con personas, teniendo una noción general de lo que implica la serie, es decir construir una narración visual donde cada obra no depende de la otra y es entendible por sí misma. Esto me funciona porque me traslado a distintas ciudades y el contexto es algo que a mí me determina mucho, a cada serie le pongo una parte de mi entorno natural y esta se enriquece.

Crepúsculo V.  Huecograbado. 
Mancha: 22x16.5cm
Papel (Pontes 260gms): 37.5x29cm.  2023

MP Alonzo – En la obra que vas a presentar en MP, existe una relación texto / imagen. Nos puedes decir ¿Cómo se da este binomio? ¿El texto da inicio a la imagen o es a partir de la imagen que surge el texto que incrustas en tu obra?

MAO – Es muy curioso porque estas obras tienen que ver con lo trabajado en los 80´s. Entonces, a propósito del texto, a mí me interesaba mucho cuando empecé a conocer la gráfica lo que son los libros miniados, libros de la edad media, carolingios, libros de las horas, etc. Estos eran ilustrados pero además eran manuscritos, me gustaba referirme a eso. Más adelante en la historia del arte en el gótico, estaban los donantes y los santos representados, a estos, en ocasiones se les incluía una franja con una frase específica. Ese texto no refería a la imagen sino a un concepto más abstracto, yo tomo esta noción y lo utilizo. De igual manera conozco las novelas gráficas. Entonces, los textos son referencias gestuales a conceptos complementarios a la imagen básicamente, esto ayuda a que las personas construyan un pensamiento complejo de las imágenes. Con lo gestual me refiero a que son palabras y garabatos que no necesariamente tienen que ser entendidas sino en su gesto y en la forma y velocidad de construir. 

L A  E X P O S I C I Ó N

MP Alonzo – ¿Qué esperas de esta exposición?

MAO – Yo siempre creo que la siguiente exposición es la mejor exposición. Para mí, un espacio nuevo, un lugar donde no he estado, es una posibilidad de charlar con personas que están dispuestas a entender algo, es decir tener un interlocutor distinto. Cada sede que está dispuesta a hacer una exposición es una forma de construir el diálogo y eso es lo más importante de una obra. Además es importante por ser un espacio no institucional que abre la opción a cimentar algo interesante, insisto la construcción de un diálogo.

Uno de los grandes problemas que tiene México es que estamos institucionalizados hasta las cejas, en el entorno de un espacio independiente creo que la expo puede ser una forma más natural y más sana en el sentido de compartir, igual en el sentido intelectual, no de una manera de necesariamente académica sino en la forma de usar la experiencia personal y confrontar una obra para sacar una conclusión. Por ende, estos espacios son importantes por la generación y discusión de ideas que nos enriquecen.

L O  A U T O G E S T I V O

MP Alexis – Claro, creemos que a partir de estas muestras que se gestan en los espacios independientes o autogestivos, el diálogo puede ser mucho más fluido, quitando un poco esos cánones que de pronto nos instala la institución. Igualmente, pienso que aciertas al esperar ese rebote de ideas con este trabajo y curaduría conjunta con MP por parte del espectador, porque nosotros estamos muy interesados de que estos provengan de un crisol que incluya desde el artista y el académico, hasta el vecino del barrio donde estamos insertos.

MAO – Ahora que dices eso, hay una cosa que me parece significativa, pues es desde los espacios no institucionales que el artista puede ser exigente con la institución, todo a partir de la construcción de un criterio forjado. Es importante formarnos permanentemente mediante la conexión y diálogo con personas de todos los rincones del país y el extranjero. Afortunadamente en México existe ese circuito donde se puede enriquecer con la experiencia de colegas de todo el país.

>Alexis Cruces